Carrie Mae Weems. Colores que importan.


¿Cómo se construye la identidad cultural, de género y de clase? El cuerpo de trabajo de la fotógrafa afroamericana Carrie Mae Weems (Portland, Oregón, Estados Unidos, 1953) gira constantemente alrededor de las posibles respuestas a esta pregunta. En su práctica se halla un gran interés y compromiso por dar visibilidad a la comunidad afroamericana, explorando el rol que ha desempeñado en la construcción de la historia y la identidad estadounidense. Weems pone en cuestión estereotipos existentes alrededor de esta comunidad, ya sea mediante la ironía y el sarcasmo, o recurriendo a una vehemencia deliberada, pero planteando siempre la necesidad de tomar partido, de adoptar un papel activo para propiciar una transformación cultural, política y social.

En Colored People retratos de adolescentes afroamericanos se intervienen con superposiciones de magenta, amarillo, naranja, azul, marrón y púrpura. El ejercicio consiste, en este caso, en parodiar el uso simplificado y descontextualizado del término “de color” para dirigirse a personas cuya tonalidad de piel no encaja, ni siquiera, con lo blanco o lo negro. No por casualidad, Weems realizó estos retratos a chicos y chicas entrando en la adolescencia, edad en la que la artista considera que se produce una pérdida de la inocencia y en la que se comienza a ser consciente de cuestiones raciales e identitarias. La serie, a la vez que investiga la belleza que se encuentra en la gama de colores de piel englobados en el término negro, critica la jerarquía de valores sociales asignados a los tonos de piel. En este trabajo de 1989-1990, Weems reclama un término peyorativo utilizado para identificar a la comunidad afroamericana y lo convierte en un posible significante de orgullo.

Por otro lado, en Slow Fade to Black se pone el foco en las mujeres negras de la cultura popular reformulando imágenes de cantantes en el apogeo de su éxito en el siglo xx. La serie completa está compuesta por hasta trece retratos en los que se aglutinan diversas generaciones como Josephine Baker, Nina Simone, Mahalia Jackson, Ella Fitzgerald o Dinah Washington entre otras. Si bien algunas de estas mujeres conservan su estatus icónico en la actualidad, otras son relativamente poco conocidas. Weems sostiene que sus legados se desvanecen con el paso del tiempo, sin embargo, muchos de sus homólogos blancos —especialmente los hombres—, siendo en muchas ocasiones profundamente influenciados por artistas negros, mantienen un éxito prácticamente intocable generación tras generación.

Weems juega con el término “fundido a negro”, propio del teatro o el cine. El recurso también contiene una referencia latente a la piel negra y a la problemática historia de su representación, tanto técnicamente —históricamente la tecnología fotográfica está calibrada basándose en la piel blanca— como culturalmente, entendiendo lo negro como algo secundario o invisible en una cultura predominantemente blanca. Al recuperar estas figuras icónicas y trabajar en el difuminado de sus imágenes, Weems pone en primer plano el poder corrosivo tanto del tiempo como de la jerarquía cultural, pero también revive y refuerza sus legados.

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Carrie Mae Weems. Colours that matter.


How is cultural, gender and class identity constructed? It is the possible answers to this question that provide the focal point of the body of work of the African American photographer Carrie Mae Weems (Portland, Oregon, USA, 1953). Her art reveals a major interest in and commitment to making the African American community visible, and explores the role it has played in building the history and identity of the United States. Weems questions the stereotypes that exist in relation to this community, either through irony and sarcasm or by resorting to a calculated vehemence. In doing so, however, she proposes the need to take sides and to play an active role in promoting a cultural, political and social transformation.

In Colored People, photographs of African American adolescents are overlaid with magenta, yellow, orange, blue, brown and purple. The aim of the exercise is to parody the simplified and decontextualised use of the term “colour” to refer to people whose skin tones show that they are not actually “black” or “white”. Weems made a point of portraying boys and girls entering their adolescence, an age at which the artist believes there is a loss of innocence and at which an awareness of racial and identity issues is awoken. The series, which also investigates the beauty found in the range of colours covered by the term “black”, critiques the hierarchy of social values attributed to skin tones. In this work, which dates to 1989-1990, Weems reclaims a term of abuse used to tag the African American community and turns it into a possible signifier of pride.

In Slow Fade to Black she focuses on black women in popular culture, reworking images of singers and performers pictured at the height of their success in the 20th century. The series is made up of 13 portraits of artists spanning various generations, among them Josephine Baker, Nina Simone, Mahalia Jackson, Ella Fitzgerald and Dinah Washington. Though some of these women remain icons to this day, others are relatively unknown. Weems argues that their legacies vanish with the passage of time, while many of their white counterparts – especially men and many of whom have been greatly influenced by black artists – enjoy sustained success for generation after generation.

Weems plays with the theatrical and cinematic term “fade to black”. It is a term that also contains a latent reference to black skin and the problematic history of its representation, both technically – historically, the technology of photography is calibrated on the basis of white skin – and culturally, with black being understood as something that is secondary or invisible in a predominantly white culture. In bringing these iconic figures back into the limelight and blurring their images, Weems emphasises the corrosive power of both time and the cultural hierarchy, while also reviving and consolidating their legacies.